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domingo, 11 de julio de 2010

“En la música siempre lo más fácil es el plan A, lo convencional”

Silvia aramayo

10-07-2010 / Un mano a mano con la compositora e intérprete platense

Silvia Aramayo nació en La Plata, pasó por el Conservatorio Gilardo Gilardi y por profesores de la talla de Germán Kusich y Quique Roca. Luego, como tantas veces sucede, decidió trasladar sus canciones a la ciudad de Buenos Aires, donde en 2006 editó su primer CD Todas partes. Por estos días y mientras espera que llegue el mes de septiembre para volver a actuar en La Plata, acaba de lanzar Mirador, un disco en el que el folclore está muy presente, pero que sirve como excusa y como nexo para poder recorrer otros estilos y géneros (música uruguaya y brasilera, flamenco, funk y jazz).

–¿Qué se puede ver desde el Mirador de Silvia Aramayo?

–Son canciones que reúnen todo lo que vengo haciendo desde hace un montón de tiempo, y hace hincapié en la canción, que en cuanto al estilo es bastante amplio. Trato de bajar lo que me pasa y que una vez que la termino, la canción sea lo más genuina posible. El disco tiene doce canciones, nueve composiciones mías y tres versiones de temas de Luis Alberto Spinetta; de Lenine, que es un artista brasilero y de Guillermo Klein, que es profesor mío. Todo esto es lo que conforma el Mirador.

–Al recorrer el CD uno descubre gratamente que va más allá de un simple disco de folclore.

–Yo tengo en claro de no proponerme un estilo a seguir, y en torno a eso crece la música que hago. Si bien en el disco hay mucho folclore, es un folclore diferente, fusionado. De movida no me propongo “hay que mezclar el folclore con este género”, sale así, y es el lugar en el que me siento más cómoda, enlazando las palabras con la música.

–¿De qué hablan las letras de este trabajo discográfico?

–En cuanto a las letras hay algunas que tienen que ver con sueños, otras que aparecen a partir de imágenes que vi en películas, y después hay canciones como "Justito", que es una especie de homenaje a las familias de los desaparecidos.

–¿Cómo ve la actualidad del folclore en Argentina? ¿Hay espacio para la renovación?

–Hay un problema general en nuestro país y es que todavía no se le da confianza en la música misma a la fusión de cosas sin un fin determinado. En algún momento se intentó fusionar el tango con el rock, a mi entender eso fue algo forzado y tampoco funcionó a nivel público. La búsqueda por fusionar y salir un poco de las convenciones está bastante difícil desde el lado de poder mostrarlo, no hay espacios en los medios de comunicación para mostrarlo ni lugares para tocar. No es que lo músicos no lo busquemos, de hecho tengo un montón de amigos que se internan en esa búsqueda y lo hacen con mucha riqueza, pero no lo pueden mostrar. Siempre lo más fácil es el plan A, lo convencional, lo que sigue las reglas, una música que también me gusta. Pero la verdad es que está difícil para remarla desde nuestra parte. No tanto a nivel público que lo acepta, y hay mucha gente siempre buscando en la música independiente y lo diferente, hay toda una camada under en plena búsqueda. Y algo imposible que no suceda, más en estos tiempos en los que Internet hace que uno esté escuchando y compartiendo cosas con músicos de todas partes, y ese intercambio hace que surjan nuevas ideas. Yo personalmente trato de escuchar música de todo el mundo todo el tiempo, eso me enriquece.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-98225-medios-122-En-la-musica-siempre-lo-mas-facil-es-el-plan-A-lo-convencional.html

sábado, 10 de julio de 2010

Festejo con desfile, banderas y festival

UNA MULTITUD CELEBRO LA INDEPENDENCIA EN SAN MIGUEL DE TUCUMAN

Charly García fue el encargado de cerrar la conmemoración que comenzó con un desfile cívico-militar protagonizado por 7000 personas. Fuerza Bruta llevó su escena más célebre.

Una multitud calculada en alrededor de 100 mil personas participó de los festejos del Día de la Independencia, en la ciudad de San Miguel de Tucumán, en la que se destacó el homenaje a Mercedes Sosa –que hubiera cumplido años ayer– y donde fue ovacionada la actuación del grupo Fuerza Bruta, que volvió a hacer el cuadro de la Argentina caminando en el cielo, presentado en Buenos Aires durante la celebración del Bicentenario. La presidenta Cristina Fernández de Kirchner presidió el desfile de 7000 personas, en el que participaron desde luchadores sindicales del municipio de Bella Vista –que en 1966 se enfrentó a la dictadura de Onganía– hasta ex combatientes de Malvinas; también desfilaron representantes de pueblos originarios, militares, trabajadores de la salud que lucharon contra el dengue y la gripe A, cooperativistas y alumnos de todos los niveles educativos de Tucumán, portando una bandera argentina de 800 metros de largo. La fiesta se cerró con el recital de Charly García, que actuó pese a la recomendación de sus médicos, pues había sufrido una caía.

A las 14.55, la presidenta Cristina Fernández de Kirchner dio la orden para que se iniciara el desfile militar. El sol brillante y la temperatura de casi 25 grados contribuyeron a la celebración. En el palco se hallaban el ex presidente Néstor Kirchner; el gobernador de Tucumán, José Alperovich; el de La Rioja, Luis Beder Herrera, y la mayoría de los ministros del gabinete nacional.

En el desfile sobre la avenida Soldati, en el Parque 9 de Julio, participaron más de 7000 personas: escolares, agrupaciones tradicionalistas, organizaciones civiles y las Fuerzas Armadas y de seguridad.

Ocho cuadras del desfile estaban cubiertas por la inmensa bandera argentina llamada “Alta en el Cielo”, confeccionada en la provincia de Santa Fe, portada por unos mil chicos de todos los niveles de escuelas tucumanas, con sus abanderados, “en representación de los 450.000 alumnos escolarizados en la provincia”, según explicaron los conductores del espectáculo, Federica Pais y Marcelo Simón.

También marcharon representantes del municipio tucumano de Bella Vista, que conmemoraron la lucha sindical de los zafreros, que se llevó a cabo en 1966, contra los ingenios azucareros y en defensa de sus fuentes de trabajo, amenazadas por la dictadura de Juan Carlos Onganía.

Desfilaron asimismo los deportistas más destacados de la Facultad de Educación Física de la Universidad Nacional de Tucumán, y una selección de la Secretaría de Deportes provincial, incluyendo deportistas con capacidades especiales.

Fueron muy aplaudidos los agentes de salud que se sumaron al desfile: vacunadores de la campaña contra la gripe A y otros que intervinieron en la campaña de descacharrización y fumigación contra el dengue.

También representantes de 19 pueblos originarios se unieron a la marcha. Participaron casi mil ex combatientes de la guerra de Malvinas, quienes integraron al desfile a viudas e hijos de soldados fallecidos en combate. Uno de los soldados rompió filas, se acercó al palco y le obsequió a la Presidenta su boina roja, que Cristina usó durante el resto del evento.

También se presentaron representantes de la comunidad judía, descendientes de siriolibaneses, españoles, alemanes, croatas, franceses, mexicanos, bolivianos, paraguayos, árabes, belgas y coreanos. Intervinieron también representantes del movimiento cooperativo. El grupo Fuerza Bruta presentó el cuadro en el que la Argentina es representada por una bailarina que danza en el aire, el mismo que se ofreció durante los festejos del Bicentenario.

Las agrupaciones militares portaban banderas históricas de cada regimiento provenientes de lugares como La Pampa, Entre Ríos, Misiones, Mendoza, Neuquén, Santa Cruz, Corrientes, Chubut o la provincia de Buenos Aires.

También se incluyó un homenaje a ocho mujeres “que hicieron historia”: Mercedes Sosa, Lola Mora, Eva Duarte, Macacha Güemes, Juana Azurduy, Alicia Moreau, Azucena Villaflor y Manuela Pedraza (ver aparte).

El festival musical en la Plaza Independencia, frente a la Casa de Gobierno, estuvo dedicado a la evocación de la cantante Mercedes Sosa, que hubiera cumplido 75 años precisamente ayer. En el festival participaron Teresa Parodi, Víctor Heredia, Luciano Pereyra, Marcela Morelo, Liliana Herrero, Gladys “La Bomba Tucumana”, Verónica Condomí y Juan Quinteros, entre otros artistas. La estrella fue Charly García, que se presentó después de las once de la noche.

Imagen: Télam
Fuente: Página 12

“El mundo cambió, hay menos lugar para el romanticismo”

VOX DEI

09-07-2010 / Una entrevista con Willy Quiroga antes del show en La Plata

“Vamos a estar tocando los temas de siempre, canciones que son verdaderos clásicos, como las de La Biblia, pero también va a sonar material más nuevo, más de esta época, como temas de El camino y otros que por ahí no están grabados y que van a formar parte de nuestro próximo disco, que se va a llamar Archipiélago de almas, que por supuesto va a tener la onda Vox Dei”, aclara al comienzo de la charla con Diagonales Willy Quiroga, cantante y bajista, de esta legendaria banda con raíces en los '60 y que tiene el mérito -entre muchos otros- de haber concebido el primer disco conceptual del rock en castellano. Así que esas canciones formarán parte del show que esta noche, a las 23, ofrecerán en el Teatro sala Ópera (calle 58 entre 10 y 11).

–Después de tantos años en la ruta del rock, ¿con qué expectativas encaran un nuevo show?

–Siempre con la mejor, nos va muy bien, realmente estamos en un gran momento con la banda. Sirve como ejemplo lo que pasó durante el show del Bicentenario en la Avenida 9 de Julio con toda la gente cantando nuestras canciones. Somos una de las pocas bandas a la que la van a ver cuatro generaciones, por eso las expectativas son las mejores. Y pasa algo muy bueno, que el grueso del público pertenece a las generaciones más jóvenes, más del 80 porciento de la gente que viene son chicos. Con la inclusión de Carlos Gardellini, logramos llegar a una generación más joven.

–¿Creé que en este momento hay una menor creatividad alrededor de las bandas que surgen, que en el momento que nació Vox Dei?

–No, creo son épocas distintas y que ha cambiado la creatividad pero porque también el mundo cambió, ya no es el de antes. Cuando surgió Vox Dei eran los tiempos de los hippies, de Woodstock, de toda una movida mundial que se daba desde fines de los '50 y principios de los '60, con miles de jóvenes que pretendían y creían que podían cambiar el mundo. Actualmente las cosas son más duras, hay mucha xenofobia, guerras, conflictos, se acrecentó las diferencias entre los ricos y los pobres, todo cambió y el músico refleja en sus canciones el mundo en el que le toca vivir. Las letras cambiaron, hay menos espacio para el romanticismo.

–Vox Dei logró lo que muchos artistas persiguen a lo largo de su trayectoria y generalmente no consiguen, el crear una obra que se perpetúe en el tiempo, y eso ustedes lo lograron con La Biblia.

–Es una obra única, que se merece todo el reconocimiento que se genera alrededor de ella. Es un trabajo que no existe a nivel mundial, y que realizamos con un profundo respeto. Vendió cientos de miles de discos y se convirtió en un verdadero clásico, pero más allá de las ventas lo logró porque se ganó el corazón de la gente. En cada show tenemos que tocar sí o sí temas de ese disco porque la gente los quiere escuchar, no podemos dejarlos de lado. Nos dio muchas satisfacciones, pero no a nivel monetario.

–Es algo curioso, teniendo en cuenta la vigencia que tiene, y la cantidad de discos que vendieron y cuando hoy día muchos artistas con muchísimo menos hacen su negocio.

–Sí, pero La Biblia siempre le dio mejor rédito a las empresas discográficas y no a nosotros. Vendimos miles de discos y no vimos nada, ellos hicieron mucho dinero, pero nosotros conseguimos el reconocimiento y el respeto de la gente. Pasaron 43 años y la gente sabe quienes somos, y de muchos de esos artistas que tuvieron un éxito comercial hace algunos años no se acuerda nadie.

–Al reconocimiento de la gente, hay que sumarle el de otros colegas, como Soda Stereo que grabó y tocó canciones de La Biblia.

–Para nosotros fue un verdadero honor que Cerati & compañía, Zeta y Charly Alberti hayan tenido la delicadeza de tocar y grabar el tema "Genésis", pero no sólo eso sino también la gran versión que hicieron, con mucho respeto. Y también me contaron otros colegas que la han tocado no sólo en Argentina sino también en México y en Latinoamérica, y además han abierto recitales propios con esa canción. Uno que es músico sabe todo lo que significa el tema de apertura, siempre es el que uno le tiene más confianza, es la carta de presentación, con lo que decís acá estamos. Entonces para que te voy a explicar lo que sentimos cuando Soda Stereo hizo lo que hizo.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-98143-medios-122-El-mundo-cambio-hay-menos-lugar-para-el-romanticismo.html

viernes, 9 de julio de 2010

Fabiana Cantilo se presenta en nuestra ciudad, aseguró que le "cuesta ser feliz"

"Soy una adicta a la tristeza"

Mientras sigue mostrando por los escenarios del país las canciones del disco "En la vereda del sol", y con el que llegará mañana al salón dorado de la Casa de Gobierno, Fabiana Cantilo reveló que está tratando de superar una afección a la que denominó "adicción a la tristeza".

Cantilo, cuya máximo hit es la versión de un tema de Andrés Calamaro llamado justamente "Mi enfermedad", comentó que hace tiempo cambió de terapeuta para poder sobreponerse a este trauma.

"Me cuesta ser feliz. En este momento estoy sola, pero cuesta. Estoy tratando de solucionar este cambio. Estaba viviendo cierta clase de inconsciencia, no me daba cuenta que el problema que tengo yo se llama 'adicción a la tristeza'. Soy una adicta a la tristeza".

"A pesar de que parezco otra persona cuando subo al escenario, soy bastante melancólica. Tengo mis momentos 'up' pero paso una etapa donde veo cosas que salen para afuera y no son joda. Pero me la banco, tengo conciencia y no lo evado", expresó.

La vocalista indicó que está trabajando problemas que nunca pudo superar con el psicoanálisis. "Me estoy curando, no de drogas sino de cosas más importantes, reviendo otra clase de terapia. Estoy bien pero quiero sentirme mejor. Estoy un poquito angustiada porque es un cambio tremendo", admitió.

Por otro lado, Cantilo indicó que retomó su afición por la pintura y que ya está componiendo material nuevo para un disco de canciones propias, tras la experiencia de versionar clásicos del rock argentino en "Inconsciente colectivo" y "En la vereda del sol".

"Quiero volver con mis temas urgente. Ya está con los covers, es muy lindo pero no puedo seguir con eso. No soy Rod Stewart que hizo cuarenta mil quinientas versiones, me aburro. En cada disco cambio la cosa en general, ya tengo un montón de temas nuevos para el próximo", explicó.

Fuente: El Día

El "Chango" Spasiuk toca en el aniversario de Melchor Romero

El misionero cierra hoy la jornada festiva por el cumpleaños de Romero. A las 16 en la plaza de 521 y 171

LLEGA LA MUSICA DEL LITORAL

El artista aseguró que está “feliz de volver a La Plata” y adelantó que quiere ponerle música a la fiesta

Otra vez en este suelo que, asegura, siempre "lo recibe tan bien", el artista folclórico "Chango" Spasiuk vuelve a La Plata para cerrar la jornada de festejos por el 126º aniversario de Melchor Romero que se desarrollará hoy, a partir de las 11, en la plaza de 521 y 171.

"Estoy feliz de ir La Plata. Para mí tocar es siempre hermoso y más cuando estás en una zona donde la gente es siempre considerada. Por eso me encuentro doblemente feliz. Es como ir a visitar a alguien con el cual tenés un lazo muy fuerte y es siempre una celebración", sostuvo el artista en diálogo con EL DIA.

Spasiuk, con su música, cerrará una jornada festiva que comenzará temprano y que incluirá, entre otras cosas, feria artesanal, muestra de circo del "Hogar Pichuca", presentación del coro "La Merced", actuación del grupo folclórico "Renacer en sueños", exposición de autos especiales y preparados y una función a cargo de "Circo Equinoxio".

"Sinceramente no conozco mucho de la historia de Melchor Romero. Me invitaron y acepté gustoso. Pero esta es buena oportunidad para conocer algunas cosas de esta localidad de las que me enteraré en contacto con la gente", aseguró el músico quien, en mayo, también participó de una jornada similar cuando la localidad platense de Etcheverry cumplió su primer centenar de vida.

El espectáculo que traerá este referente de la música popular argentina, previsto para las 16, será "abierto y distendido. No es la presentación de un disco; es un show propio de una jornada de celebración, de una fiesta", concluyó Spasiuk, quien seguramente se dejará llevar por los pedidos del público presente.

Seguramente no faltarán temas de su último material, "Pynandí -Los descalzos-", un trabajo que incluye una impronta acústica. "Este disco es más Chango que nunca. Contiene ensambles de violín, violoncello, percusión, voces y acordeón", explicó el misionero y agregó: "es la mejor manera de expresar las ideas".

Cabe destacar que esta jornada, organizada por el Centro Comunal de Melchor Romero y la Dirección de Eventos Comunales de la Municipalidad de La Plata, es con entrada libre y gratuita.

EN LA PLATA

En abril, el cantante estuvo presente en el Festival Internacional de Folclore que, organizado por el Instituto Cultural de la Provincia, se desarrolló en el Bosque, con una gran convocatoria.

Allí, junto a grandes artistas de la talla de Fabiana Cantilo, Liliana Herrero, Mariana Baraj, Pedro Aznar, Suna Rocha, Teresa Parodi y Víctor Heredia, el Chango formó parte de un emotivo homenaje a Mercedes Sosa, a quien le dedicaron su música e hicieron delirar al público presente.

Además, en mayo, el artista subió al escenario del Teatro Municipal Coliseo Podestá donde presentó, a sala llena, su último disco.

Fuente: El Día

“Hacer canciones es una necesidad, un modo de exorcizar la cotidianidad”

Hoy, a las 23.30

09-07-2010 / La banda Supernadie mostrará gran parte de su CD Quién va a cuidar de vos?

Souvenires baratos (2003), Jirones (2006) y el próximo a editarse Quién va a cuidar de vos? son los trabajos discográficos de la banda platense Supernadie, que se encuentra próxima a cumplir los 10 años en la escena de rock. Fieles a su esencia las nuevas canciones visitan tópicos ya abordados por la banda como "vivir", "la noche", "el espíritu humano", pero que sin embargo lejos están de sonar trillados. Parte de ese material será el que esta noche, a las 23.30, los músicos mostrarán en Hermanos Zaragoza (53 e/ 3 y 4). Un fecha que también contará con la presencia de Edipo y La Chimenea.

“Pasaron varias cosas. Quizás la más importante la decisión de grabar este CD en casa, ya que Diego Sánchez uno de los guitarristas de la banda armó un estudio. Eso nos posibilitó manejar el tiempo, y no tuvimos que depender de la presencia cruel dictatorial del reloj que cotiza en dólares los segundos y los minutos de grabación. Así como lo hicimos nosotros podíamos decir: "no me gustó la toma, vengo mañana o pasado". Tuvimos libertad y tiempo. Y además lo que nos pasó es que descubrimos que no hay nadie mejor que nosotros para conseguir lo que uno siempre busca en el rock, poder captar el sonido en vivo, que no es fácil y que es lo que mejor nos caracteriza. Hasta ahora no lo habíamos podido lograr, y con Quién va a cuidar de vos? lo conseguimos, gracias al laburo de Diego y al tiempo que tuvimos para grabar”, explicó a Diagonales Leo Fontela, cantante de Supernadie, en torno al próximo CD de la banda.

–¿Qué anduvieron haciendo entre Jirones (2006) y Quién va a cuidar de vos?

-Básicamente componiendo mucho. Este disco tiene 10 canciones, que fueron seleccionadas entre 25. Ese también fue un proceso complejo, tratar de consensuar cuáles iban a ser los temas que finalmente iban a quedar en el disco. En el medio también hubo un hecho curioso y anecdótico, que si se quiere explica nuestra introversión o nuestro aparente silencio en los escenarios, y fue que yo me rompí la tibia y el peroné jugando al fútbol, por lo que estuve entre nueve y diez meses sin poder movilizarme, tiempo que obviamente aproveché para componer. Así que más de una vez desde la ansiedad que tenía en casa, le mandaba material a los chicos. Nos sirvió para parar la pelota y programar la grabación del disco. Si algo nos caracterizó siempre fue tocar mucho, y este año volvimos a ese camino y estamos tocando por lo menos una vez por mes. Es una cuestión de necesidad e incluso muchas veces sin medir el modo para hacerlo, ni en las mejores condiciones ni en los mejores lugares. Pero en el período al que referís hubo una catarata compositiva que decantó en estas 10 canciones.

–Con respecto a la cantidad y calidad de los lugares para tocar, ¿tienen una opinión formada?

–Hay como varias lecturas para hacer. Nosotros tenemos una visión bastante crítica. En Plata existe una cultura rock, perfectamente comprobable en la historia, con grandes grupos, y además está el presente, con una gran cantidad de bandas dando vueltas y paralelamente hay una carencia de espacios para albergar a todas. Te encontrás con que no hay y no se habilitan espacios para el rock y el arte independiente. Los que hay son pocos y por eso se aprovechan bastante de los músicos. En esos aspectos está puesta nuestra mirada crítica. Y después están las fechas como las de hoy, en las que coinciden varias bandas, con las ganas de seguir intentando, buscando lugares alternativos. Lo que sigue salvando a esta cultura es la solidaridad y las ganas de expresarse de todos los músicos. La situación es complicada como te decía por los pocos espacios que hay y por la poca ayuda oficial que existe, pero como contrapunto está esta solidaridad de la que hablaba.

–Ante tanta adversidad aparece la pregunta: ¿Por qué o para qué seguir haciendo canciones?

–Por una cuestión de necesidad, y en ese sentido tenemos una actitud medio punk-rock. A mí gusta Jimi Hendrix o Pink Floyd y cuando lo escuchás por ahí podés llegar a pensar que sólo se puede hacer música desde el virtuosismo, pero para mí no, por eso te hablo de esta actitud punk-rock, en la que prima la necesidad. Esta necesidad de andar haciendo música para contarle al mundo como uno lo ve, y exorcizando la realidad, la cotidianidad. Nosotros hace 10 años que estamos juntos, que somos los mismos y mantenemos la misma química, nos alcanza con mirarnos y enchufar los instrumentos para descubrir que es así. Evidentemente algo sigue habiendo. Es un sueño, una elección que nos obliga a seguir creando canciones y no necesariamente aparecer en una revista. Y es ese sueño el que nos obliga a hacerlo. El fracaso no pasa por no meter determinada cantidad de gente en un show sino que desde nuestra concepción estaría vinculado a la necesidad de hacer, de seguir adelante con el sueño. Una ilusión que nos da satisfacciones pero también nos obliga. No queremos simplemente pasar por la vida.
Leo Fontela (voz), Pablo Usabarrena (guitarra), Diego Sánchez (guitarra), Sebastián Frontini (bajo) y Iván Rimada (batería), son los encargados de impulsar esta aceitada máquina nacida en el verano de 2001.

Fuente: Diagonales

“La ciudad de Buenos Aires tiene un ritmo musical que no es el de mi música”

Turco Chiodi

09-07-2010 / El ex líder de Facón llega a La Plata para anticipar su CD Maratón

“Porque no tengo ni nombre/ porque mi barco va a la deriva/ prefiero ser un mutante/ que una estatua toda la vida”. El autor de estas líneas tiene nombre: Guillermo “Turco” Chiodi pero quizás no el renombre que merece. Con una extensa trayectoria, su ex grupo Facón (oriundo de Azul) fue muy popular en la provincia de Buenos Aires y tuvo difusión nacional a través de una cortina televisiva (Primicias, Canal 13, año 2000).

Una buena experiencia es dejar la esquina (ego) céntrica de 7 y 50 para adentrarse en la otra La Plata, aquella atestada por pensiones y departamentos compartidos por jóvenes y estudiantes. Es usual hallar entre sus paredes, y bajo las pilas de apuntes, kilos de yerba, encomiendas semi abiertas, pre-pizzas y una guitarra desvencijada, algún CD del cuarteto que editó tres discos y que dio alguna de sus canciones a varias de la guitarreadas trasnochadas vernáculas. Ya como solista editó hace dos años el notable Mutante, considerado por parte de la prensa especializada como uno de los discos del 2008. Poseedor de una voz dulce y de múltiples matices (que habita entre la elegancia de Federico Moura, el histrionismo de Palo Pandolfo y el virtuosismo desenfadado de Miguel Abuelo), Chiodi se despachó en él con un trabajo lleno de melodías refinadas y adhesivas, arreglos precisos y delicados.

Su repertorio es ecléctico más no disperso, y va desde el pop electrónico hasta el aire de joropo, pasando por el rock distorsionado, el candombe y la bossa nova, guiado siempre por el pulso de la canción. Sus letras expiden poesía a flor de piel y papel: versos que asumen su ambigüedad, la insaciable antropofagia y el cambio como identidad. Por esto mismo es que como buen mutante, Chiodi no mira hacia atrás y sigue su camino…o su carrera. Maratón (en alusión a su trayectoria) es la placa que está en pleno proceso de grabación y según estima su mentor “va a estar en la calle no antes de noviembre”, CD que estará anticipando mañana, a las 21.30, en Pura Vida (diagonal 78 e/ 8 y 61).

–En Mutante se fusionaban el rock, el pop, con su innegable raíz folclórica. ¿Por dónde va este disco?

–Este nuevo material, es el único de mi carrera que conserva una línea musical bien definida: es básicamente pop-rock, canciones simples con una estética actual. Para ello estoy trabajando con Martín Daulerio en la producción artística, con quien ya hicimos "Knock out" y "Confiar" (temas del CD anterior). Por el momento mi costado folk latino espera agazapado.

–El anterior disco lo grabó sin banda estable. Este disco lo encuentra con una banda girando constantemente…

–El "modus operandi" es muy diferente en este CD. El anterior fue como armar un rompecabezas. En este ensayamos las canciones con la banda ya sonando. Además hicimos un trabajo de pre-producción en el estudio La ventana de Azul, y luego la grabación definitiva en Tónica y Faiketen de Buenos Aires, con Mariano Oliva como técnico. Sinceramente estoy muy ilusionado con el resultado de este disco.

–Mutante hacía mucha referencia a su carácter cambiante y de renovación constante… ¿Hay alguna temática que sobrevuele este CD?

–Creo que no hay un tema en común que una estas canciones. Más bien fueron elegidas por su estética musical. Ese es el hilo conductor

–¿Cómo "carga" su pasado en Facón?

–El duelo de Facón ya fue realizado e internalizado. Ahora -como dicen los Cuarteto de nos- “me amo”, como también amo el recuerdo de lo que significó Facón y un vínculo con el publico aún vigente.

–Su nombre es muy reconocido en gran parte de la provincia, y quizás en Capital no tiene la misma repercusión. ¿El rock está en todos lados pero atiende en Buenos Aires?

–Tal vez sea que mi música es claramente “del interior”. Buenos Aires es divinamente inabordable, y tiene un ritmo que no es el de mi música.
Para quienes habitan la zona de Azul, Lamadrid, Olavarría, Tandil y aledaños, es posible ver a este amigable hombre de 40 años en diversos formatos o perfiles: solista, con banda, interpretando temas de otros, docente. Para quienes son testigos del ritmo de vida de Chiodi es difícil explicar como resiste tal trajín… o no: su pasión incontenible por la música… y ¡cuatro hijos que alimentar!

–”Será la música mi techo y mi comida”, decían los Decadentes…

–¡Uy, que linda canción! Amo las canciones de Serrano. Gran parte de mi tiempo está dedicado a la docencia musical: hice mis estudios en la Escuela de música popular de Avellaneda (siendo de Racing, no podía ser de otra manera), ahí me recibí en la carrera de Formación Docente. Es una actividad que me da mucha satisfacción, he aprendido a quererla con los años: tengo talleres de canto, guitarra y lenguaje musical.

–La Plata es una ciudad muy familiar para usted…

-A La Plata, también los años me enseñaron a quererla. Me siento Roberto Carlos porque tengo un millón de amigos allá. Mi adolescencia fue marcada por Virus, luego aparecieron Los Redondos, ¿que se puede decir? ¡Rock and roll! Peligrosos Gorriones me pegó mucho. Siento que en La Plata hay una efervescencia especial, seguramente dada por su cultura de facultades y movidas artísticas. Cada tres garages de La Plata hay una banda sonando.

Poseedor de un gusto amplio y nutrido, rescata entre lo último que ha escuchado "el de Serrano solista, El cuarteto de nos, The Killers". Y siempre en carrera, el incansable trotamundos confiesa: "El rock me sigue atrayendo, el paso del tiempo no ha podido doblegarlo. Me interesa todo lo que sea genuino y este bien hecho. No importa el genero”.

Quienes entienden de atletismo saben que en un maratón, lo importante no es la velocidad sino la resistencia. Será por eso que Chiodi sigue avanzando a través de los años sin correr detrás de las modas, con la canción como meta, haciendo de su contagiosa y resistente musicalidad -precisamente- algo irresistible.

Fuente: Diagonales

Julio llegó con variedad de espectáculos a City Bell

Shows infantiles y conciertos, en el Teatro de Cámara

La cartelera de julio del Teatro de Cámara de City Bell es muy nutrida y variada.

Mañana y el domingo, a las 16, se ofrecerá en la sala de diagonal Urquiza entre 462 y 464, la comedia musical para niños "Quasimodo, el compañero de Notre Dame", con música de Sergio Fabián Perotti, libreto de Juan Carlos Fiasconaro y arreglos corales de Gabriel Giangrante (arreglador de Drácula, "El Jorobado de París", de Cibrián-Mahler),.

Este espectáculo que es una producción de CEFOA, y se repetirá en el teatro citibelense los días 22, 23, 26, 27, 28, 29, 30 y 31 de julio, durante las vacaciones de invierno.

Por su parte, el grupo Capitán Piluso producirá tres funciones infantiles de la comedia musical "La Bella y la Bestia", con libro de Daniel Villanueva y música también de Sergio Fabián Perotti. Subirá a escena en City Bell los días 19, 20 y 21 de julio, a las 16.

CONCIERTOS

Por otra parte, el sábado 17, a las 20, actuará en la sala la Orquesta de Cámara de la Municipalidad de La Plata, con la dirección de Roberto Ruiz.

En la primera parte ofrecerá los conciertos Brandenburgueses N° 3 y N° 4; en la segunda, interpretará obras de G. Lekeu y de E. Wolf Ferrari.

En tanto, el domingo 18, a las 18,se presentará la mezzosoprano platense de proyección internacional Mónica Sardi, quien acaba de interpretar el rol de Maddalena en Rigoleto en el Teatro Argentino de La Plata, lo que le valió muy buena crítica de parte de los principales medios nacionales. Su programa está compuesto por obras Kurt Weill, Schoenberg, de Falla y Montsalvatge.

FOLCLORE, EN AGOSTO

Otro de los shows musicales que se verán próximamente en el Teatro de Cámara es el de Teresa Parodi. La cantante actuará allí el viernes 20 de agosto, a las 21, interpretando temas de su último disco "Corazón de pájaro" y los infaltables clásicos de su autoría.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/citybell/notas.aspx?idn=263734&ffo=20100709

Chango Spasiuk: “El acordeón es una herramienta para buscar otra cosa”

Hoy a las 16

09-07-2010 / El músico y compositor cerrará con su música el Aniversario de Melchor Romero

El Chango Spasiuk trata de “no hablar bonito nada más" durante la entrevista con Diagonales, antes de su presentación en el marco del Aniversario número 126 de Melchor Romero. Por eso se detiene y dice que llega a un lugar a donde "siempre mi música fue muy considerada y muy respetada", motivo por el cual quiere "agradecer a la gente que me invitó al festejo, porque para mí esto es como ir a visitar a un viejo amigo, donde uno se pone muy contento de saber que se va a encontrar pronto con él. Y es así como siento a la gente de La Plata y sé que la celebración es pegadita a la ciudad, así que estoy muy contento".

Al momento de hablar sobre alguna preparación especial a la hora de encarar este tipo de eventos, a diferencia de, por ejemplo, la presentación de un disco, el músico respondió que "son acontecimientos importantes pero situaciones diferentes: la presentación de un disco está enfocada en eso y un festejo es un festejo. Pero, aunque sean situaciones distintas, la oportunidad de sentarse a tocar es la misma, entonces no lo tomo como algo diferente". Y aclaró que quizás "en el contexto del concierto dentro de un festejo, el repertorio es más amplio y está abierto a como son las condiciones del lugar, no es como un teatro que se tiene un repertorio fijo, que hay que llevar esa lista de punta a punta. En un lugar al aire libre uno está con el oído abierto, hay que ver como suena y todas cosas. En ese sentido no soy muy rígido ni estricto y estoy abierto a adaptarme a las circunstancias. Pero no hay más preparación que el entusiasmo de ir y de formar parte del momento y de la celebración".

Esta tarde, aproximadamente a las 16 -hora en la que está anunciado el concierto- el Chango tocará, en la Plaza de 521 y 171 de Melchor Romero, algunos temas de su último disco Pynandí (Los descalzos) y según contó "desde esa estética voy a tocar las otras cosas que salgan: las polcas o el repertorio hacia donde se dispare la parte improvisada, pero desde la misma formación de violín, guitarra, percusión, acordeón y voz, que es la formación con la cual vengo tocando los últimos años".

–Cuando presentó Pynandí en la ciudad dijo que ese material se diferenciaba de sus anteriores trabajos por los años que habían transcurrido, pero que "los orígenes o la historia de cada uno está siempre presente en todo lo que hace". ¿Qué puede decir acerca de su historia actual con la música?

–Yo creo que estoy bien, muy relajado. Relajado en el sentido de la música como una oportunidad para sonreír, entonces no quiero perderme de eso. No estoy hablando de una alegría vacía y superficial, sino hablando de ese sonreír que está muy cerca de lo que significa celebrar. Pero no de una cosa festiva, tampoco quiere decir que sea una cosa seria y aburrida, sonreír no como algo que sucede afuera sino que sucede adentro también. Creo que estoy parado ahí. Pero justamente donde uno está parado es más un estado del corazón y un sabor, y de eso es bastante difícil hablar, es una cosa bastante intransferible a través del lenguaje conceptual, no sé como explicar donde estoy.

–¿Y en qué otras cosas está "parado"?

–Terminé de hacer Pequeños universos (N. de R.: el programa que conduce por Canal Encuentro), esta semana están pasando el último capítulo, que es sobre música electrónica, y estoy empezando una gira por el gran Buenos Aires (Luján, San Fernando, San Martín, Avellaneda) y en el medio de todo eso, hay proyectos de música de cine, como la que hice para la película de Facundo Arana que se llama El agua del fin del mundo. Y más allá de todo eso, pensando en como podría ser un futuro proyecto y boceteando esas cosas…

–Esta se la deben haber preguntado mucho, pero ¿qué significa el acordeón para usted?

–Es un instrumento, una herramienta para buscar otra cosa. Parafraseando a hombres sabios, es buscar a través de algo que tiene forma, algo que no la tiene. Es como una herramienta para ir en busca de algo, en este caso la música es una oportunidad para llegar a un estado del corazón. Y el acordeón, desde que soy muy niño y por ahora, es la herramienta más legítima que me ayuda a acercarme a esa búsqueda.

Fuente: Diagonales

El circuito off del tango en la ciudad de Buenos Aires

Foto: Adrián Quiroga

La guía del fin de semana

Con precios para el bolsillo porteño, los espacios tangueros en los barrios se reproducen y ofrecen una ruta alternativa del género

Por Gabriel Plaza
De la Redacción de LA NACION

El tango está al alcance de cualquier vecino, aficionado o aven turero noctámbulo. Fuera del circuito for export, donde los tangos se cotizan en dólares o euros, existe un corredor musical y barrial que se reproduce con la mística de otros tiempos y traza otra cartografía tanguera.

El circuito del off tango (el teatro tiene el suyo hace rato) se ramifica en propuestas diversas, en reductos para el bolsillo promedio y hasta estimula encuentros propios como el Festival de Tango Independiente de Boedo, el Festival Estilo Parque Patricios y la futura edición del Festival de Tango de Almagro en octubre.

En la zona que circunda al shopping Abasto el paisaje muta cuadra tras cuadra y a pesar de los intentos por transformar la zona en un punto de suvenir turístico, con estatua de Gardel para la foto, el arrabal amargo de su geografía mantiene esa autenticidad de los tiempos de malevaje. Dejando atrás las academias, zapaterías y tanguerías cinco estrellas en dirección a Balvanera, el paisaje barrial adquiere carácter: el perfume de especias tentadoras brota de los boliches de comida peruana; los pibes toman cerveza en la esquina y un grupo de inmigrantes africanos transitan con sus valijas llenas de baratijas doradas hacia pensiones cercanas. En esa geografía, el tango recupera terreno y ofrece distintas estaciones para circular.

En 2009, los grupos Quinteto Viceversa, Trío Boero-Gallardo-Gómez, Trío Quasimodo y Amores Tangos organizaron los conciertos Atorrantes en el espacio del Sanata Bar (Sarmiento y Sánchez de Bustamante). Con un ambiente de peña tanguera y un público bullicioso y juvenil, lo que comenzó como un ciclo de shows gratuitos se transformó en una fija de los sábados a la medianoche para los músicos que caían después de sus conciertos en otros lugares y para habitúes trasnochadores que se sorprendían con los artistas nuevos que se subían al escenario. El espacio se fue instalando gracias al boca a boca, con nuevas voces como las de Analía Sirio (que supo ser corista del grupo de Tomi Lebrero) y hasta decidieron importar al cantor estrella del boliche de Roberto, Osvaldo Peredo, para ponerles aire de bohemia a las madrugadas de los miércoles. La movida creció de tal manera que los músicos organizadores (inspirados en otros colectivos de músicos autogestionados, como los de Tango Contempo) ya sueñan con el primer Festival de Tango de Almagro para octubre.

La plaza Almagro es la siguiente parada. Lo de Roberto, entre Bulnes y Sarmiento, se transformó en un clásico del off tango. Tribus urbanas con ganas de rocanrol tanguero y turistas en plan de exploradores (escapando a los lugares comunes) terminan todos juntos acodados al estaño del pequeño bar cantando clásicos como "Moneda de cobre". La voz de Osvaldo Peredo y un guitarrista recuerdan esas noches de farra de otras épocas, rodeados por la escenografía realista de ese bar de principio de siglo que ofrece la estampa de un antiguo almacén. Años atrás, el lugar era templo de viejos aficionados al tango y nuevas figuras como Ariel Ardit, que hizo sus primeros pininos en el tango en ese bar lleno de recuerdos de Gardel.

En Sánchez de Bustamante al 700, donde el asfalto se vuelve calle con adoquines, el paisaje desolado del barrio, con fábricas y talleres cerrados, deja lugar al hormigueo de la gente que se convoca alrededor del ex taller mecánico transformado en el CAFF, sede oficial de la Orquesta Fernández Fierro. Haciendo uso de la influencia tanguera, apenas unas cuadras más allá en Billinghurst esquina Tucumán unos jóvenes apuran un trago en el bar Musetta.

El bar Vintage con aires literarios y grandes ventanales es el apertivo ideal para empezar la noche de tango. Los jueves, a las 21 puntual, toca el cuarteto de Julio Coviello. El bandoneonista de la Fernández Fierro está imponiendo el nuevo lugar con la prepotencia de sus tangos. Casi sin sonido, el espacio propone un encuentro directo entre los músicos y los espectadores que sienten la fidelidad del sonido de los instrumentos en la cara.

El barrio también tiene dos mojones del baile, como La Catedral, en Sarmiento y Medrano (un alternativo que se transformó en cita obligada del porteño joven) y La Garufa en el Konex, que estimula el encuentro natural entre milongueros viejos y extranjeras en busca de los secretos del baile.

Más hacia el Sur, el más nuevo de los espacios es el teatro Orlando Goñi. El espacio está capitaneado por los integrantes de la orquesta Ciudad Biagón y Astillero, que encontraron en la fisonomía barrial de un antiguo corralón el entorno perfecto para desarrollar las nuevas propuestas tangueras. Todavía no hay milonga, pero sí conciertos los jueves y sábados, donde se puede escuchar a las típicas sonando en vivo.

Los que se animan a trasponer la frontera con Pompeya, llegan al mítico bar El Chino, en Beazley 3566, que sigue abierto y fue inspirador de estos espacios del off tango. De ese mismo espíritu surgió el bar El Faro en la otra punta del mapa, enVilla Urquiza. Allí, las noches de tango encontraron su auténtico templo barrial y su animador principal, el cantor Cucuza Castiello, llegó a grabar un disco en vivo junto a la nueva camada tanguera. Ubicado en Constituyentes y La Pampa, el bar empezó a forjar una leyenda en el barrio hasta que recientemente los conciertos se prohibieron por "impacto ambiental".

Un dato: ninguna de estos lugares tiene precios para turistas.

La ruta del tango

  • Bar Mussetta. Billinghurst y Tucumán, en un ámbito de cafetín vintage y cocina porteña, la nueva escena está encontrando los jueves y sábados un espacio para mostrarse.

  • Sanata Bar . En Sánchez de Bustamante y Sarmiento, esta peña tanguera tiene su atractivo en la trasnoches de sábados y miércoles. Precios económicos.

  • Lo de Roberto. En Bulnes y Sarmiento, un clásico del off, frecuentado por distintas tribus urbanas. Los días fuertes: martes y jueves, después de la medianoche.

  • Teatro Orlando Goñi. Un ex corralón de materiales remodelado en Cochabamba 2536 es el nido de las nueva típicas, los jueves y sábados, desde las 22. Bono contribución: $ 20.

Fuente: La Nación

miércoles, 7 de julio de 2010

El "Viaje de invierno" de Schubert, en el Argentino

Este jueves 8 de julio a las 20 en la sala Astor Piazzolla del Teatro Argentino, 51 entre 9 y 10, el barítono Luciano Garay y el pianista Fernando Pérez interpretarán el ciclo de canciones "Viaje de invierno" de Franz Schubert, en el marco del ciclo de abonos denominado "Jueves de Cámara I".

Estas veinticuatro canciones sobre poemas de Wilhelm Müller constituyen, para muchos, la obra más conmovedora y profunda del genial compositor.

Luciano Garay nació en Mar del Plata y realizó sus estudios en el Conservat río Luis Gianneo de su c udad natal, el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y la Staatliche Hochschule für Musik de Karlsruhe (Aleman a). Se ha presentado en los teatros más importantes de Argentina y en numerosas salas de Latinoamérica y Europa.

Fernando Pérez, formado musicalmen e en el Conservatorio Na ional de Buenos Aires, y en la Facultad de Artes y Cien ias Musicales de la Uni ersidad Católica Argentina, es considerado actualmente uno de los más destacados pianistas del país. A temprana edad ganó importantes premios nacionales y se perfeccionó con maestros de la talla de Menahem Pressler, Edith Fisher y Lazar Berman.

Fuente: El Día

Una oportunidad única para hacer un Viaje de invierno

Jueves de cámara en el Teatro Argentino (51 e/ 9 y 10, Sala Astor Piazzolla)

08-07-2010 / Hoy podrá disfrutarse de esta obra de Schubert desde las 20

El cuarto concierto del Ciclo Jueves de Cámara I tendrá como protagonistas, desde las 20 de hoy, en el Teatro Argentino (51 e/ 9 y 10, Sala Astor Piazzolla) al barítono Luciano Garay y al pianista Fernando Pérez, quienes interpretarán el Viaje de invierno de Franz Schubert, 24 canciones de este prestigioso compositor, basadas en poemas de Wilhelm Müller.

Este dúo compartió escenario por primera vez "hace más de 20 años", según recordó Luciano Garay, quien agregó: "después hicimos algunas cosas juntos, menos de las que hubiésemos querido, entonces cuando salió esta oportunidad de hacer el Winterreise lo llamé a Fernando y aprovechamos, así que aquí estamos".

–¿Qué puede contar de la obra a alguien que no la conoce?

-Que es un ciclo de 24 canciones compuestas por Schubert que narran el comienzo del final de la vida de este protagonista. Empieza a contar la historia desde el momento que él se siente dejado por su amada, aclarando que estamos hablando del romanticismo alemán, que siempre se sienten tan despechados y abandonados. A partir de ese día que él decide irse al pueblo donde vive su amada, de ahí en más hasta que llega al final de su vida lo cuenta en 24 canciones. Y tiene sus altibajos, empieza abandonando el lugar donde está, un paisaje nevado con mucho frío y con mucho viento, pasa por lugares que ha pasado con ella, recuerda cosas felices e infelices y al final, resumiendo bastante, decide irse con la muerte de alguna manera, decide terminar con su vida.

El barítono marplatense coincide con la crítica acerca de que esta es "la obra más conmovedora y profunda del compositor", aunque también le gustan otras obras de Schubert, pero esta, "desde el punto de vista del lieder tal vez sea de lo más impresionante" y "para los que estamos en el mundo de la música de cámara El Winterreise son palabras mayores".

Este Viaje de invierno es, para Luciano Garay, "lo que uno siempre quisiera hacer, tanto para los pianistas como para los cantantes, porque es una obra imponente". Él tuvo la oportunidad de encontrarse con la pieza hace 25 años pero "cada vez que la ensayo voy descubriendo cosas nuevas, que tienen que ver con las vivencias de uno y a medida que pasa el tiempo va cambiando la forma de decirlo".

Para el final dijo: "Fernando Pérez es maravilloso tocando el piano y hemos logrado una connivencia muy importante en los ensayos, así que creo que vamos a hacer una linda versión".

Fuente: Diagonales

“No hay canciones que hablen de otra cosa que no sean los sentimientos”

Andrés Marconi tenía pensado desde "hace un par de años" sacar un disco propio y lo pudo concretar hace "pocos meses" con la salida al mercado de su primer álbum independiente titulado Sembrando adentro. Este músico nació en el Partido de Magdalena (Buenos Aires), estudió música popular y luego llegó a La Plata para aprender guitarra en el Conservatorio Gilardo Gilardi y en la actualidad se sigue perfeccionando en canto con maestros particulares.

En esta ocasión, Marconi habló con Diagonales antes de la presentación oficial de su disco debut, que presentará hoy, a las 21.30, en Ciudad Vieja (17 y 71): “Sembrando adentro incluye temas folclóricos del cancionero popular y seis canciones mías, que fui componiendo desde hace un tiempo buscando un estilo personal en cuanto a la canción y a la forma de expresarme”, dijo el músico que esta noche estará acompañado por Ulises Lescano (percusión), Gabriel Vilches (bajo), Eloisa Donatone (cello), Candela Marconi (acordeón y guitarra) y Germán Fratarcangelli (acordeón).

–¿Cuál es ese estilo del que habla?

–En general las canciones tienen que ver con mis sentimientos y el estilo personal es cantar como me sale, como me surge. La diferencia que hay con la música que yo hago es que no es un estilo de estereotipo en cuanto a la forma de cantar, es como me sale a mí, obviamente dentro de las reglas de la música. Pero no hay un estereotipo o una imitación de otros autores consagrados, en cambio yo busco mi estilo. Quizás lo que se ve y escucha en peñas y festivales de hoy en día es la imitación de autores consagrados y lo mío no es así. Intento que se refleje en la poesía, la música, en la forma de cantar, eso es algo importante para contarle a la gente, que estoy buscando un estilo propio.

El nombre del álbum, Sembrando adentro, está relacionado con esa "búsqueda del estilo y de expresar sentimientos personales y de una forma personal", según el cantante, que asegura "no hay canciones que hablen de otra cosa que no sean los sentimientos. Yo me vuelco a hacer canciones propias o ajenas, pero siempre desde lo que yo pienso, eligiendo un repertorio que yo siento y también seleccionando músicos que acompañen este sentimiento".

La intención del músico es que su nuevo material "esté al alcance de la gente, porque quiero que lo escuchen y en caso de que les guste, que me vengan a ver". Por ese motivo, Sembrando adentro se puede encontrar en "disquerías alternativas" y también se pueden escuchar temas como "A Don Atilio", "Candombe de la ciudad", "El adiós", "Cuando amanece" en www.myspace.com/andresmarconi.

Un dato importante para todos aquellos que esta noche quieran descubrir la música folclórica de Andrés Marconi es que, según el cantante: "hay una promoción para conseguir el disco más la entrada a 30 pesos".

Fuente: Diagonales

martes, 6 de julio de 2010

En el árbol del olvido: adiós a Lhasa de Sela (1972-2010)

Lhasa de Sela, en una imagen de 2004. | Afp

Escrito por Omar Arriaga Garcés

El imaginario poético se encuentra lleno de esferas que están en ningún lugar y en todas partes, suspendidas del suelo como por fórmulas de nigromancia: ese espacio vacío en el que se desenvuelven la fábula, el mito, la propia poesía, y que no es otro que aquél en el que la reconocida cantante “québécois” Lhasa de Sela se halló desde siempre agonizando (en su desierto, de cara a la pared, con sus pájaros y sus peces que beben en el río), desde que dio a la luz al primero de sus tres álbumes de estudio, La llorona (1997), suerte de soundtrack espurio para Pedro Páramo, o de versión sonora para esas lúgubres fotografías que Vida Jovanovich tomó en varios asilos de ancianos alrededor de México.

Como quiera que hayan acontecido los hechos de su vida mundana, esta cantante de amplia voz sedosa y pluvial, con un dejo a paraíso perdido, influenciada por la música ranchera, las canciones tradicionales latinoamericanas, el american folk, la chanson française, el blues, el soul, la música gitana de Europa del Este, el rock alternativo, en suma, difícil de catalogar, que igual componía en español que en inglés o francés y que nació un 27 de septiembre de 1972, de padre mexicano y madre estadounidense, bajo el signo solar de libra en Big Indian (Woodstock), New York, murió prematuramente, tras 21 meses de soportar un cáncer de seno, el pasado primero de enero al filo de la media noche.

Tal vez “El árbol del olvido”, cover de una milonga de Fernán Silva y Alberto Ginastera, sea la pieza más ad hoc para celebrar hoy día el luto de la intérprete, inclinada hacia la vida errante, según se infiere, por una infancia en compañía de sus padres y nueve hermanos viajando a través de las carreteras de Estados Unidos y México hasta los diez años de edad, toda vez que su familia organizaba espectáculos teatrales; de hecho, su segundo disco, en tres diferentes idiomas, lleva por título The living road (2003).

El camino viviente

Camaleónica, Lhasa cantó envuelta en un singular halo de poesía, bohemia y las más disímiles tradiciones a partir de los trece años en un café griego de San Francisco, y desde los 19, y por espacio de más de cinco, en los bares de Montreal, ciudad en la que estableció definitivamente su residencia hasta el final de sus días. De esta experiencia surgiría más tarde el material que integra La llorona, disco todo en español, “exótico, indefinible, con textos íntimos de un Romanticismo a la Charlotte Brönte”, que le abriría las puertas del éxito en todo el mundo, principalmente en Canadá y Francia, donde cosecharía en 1997 y 1998 los premios Félix, galardón artístico más prestigioso de Québec, y Juno, “al Mejor Artista Mundial”, respectivamente, y que además se mantuvo en el país galo durante 30 semanas consecutivas entre los cinco álbumes de más ventas, lo cual es casi imposible de lograr para cualquier artista editado bajo un sello independiente (Audiogram).

“Cada frase que logro escribir en español me parece un milagro. La cosa más sencilla me parece tan poética. Siempre siento asombro con esta lengua”, declaró alguna vez la cantante, y sin duda, las letras de sus canciones le daban la razón:

Mujer desnúdate y éstate quieta
A ti te busca la saeta
Y es el hombre, al fin, como sangría
Que a veces da salud y a veces mata…
(”La celestina”, La llorona)

Después de un silencio de 7 años en el que viajó al sur Francia para participar en la compañía de sus tres hermanas, Circo de Teatro “Los Pocheros”, en 2003, con The living road, Lhasa de Sela daría inicio a una gira de 24 meses por 17 países para posteriormente recibir el BBC World Award al Mejor Artista de las Américas durante 2005. No sería hasta el año pasado cuando el tercer y último de sus discos aparecería intitulado simplemente como Lhasa (2009), ya que la cantante consideraba este álbum como un nuevo comienzo, y vaya si no lo fue. Juntando fuerzas de flaqueza, a causa de un tratamiento que la debilitaba desde 2008, Lhasa daría aún tres recitales en Montreal, Paris e Islandia, no obstante su delicado estado de salud fue de mal en peor al grado de cancelar el resto de los conciertos programados.

Y aunque este último disco ha sido tan elogiado por la crítica como el precedente, y aunque La llorona sea un debut y un cenit tan sombrío como hipnótico, ese fenómeno musical llamado Lhasa de Sela como una manera de protestar contra la ejecución de prisioneros tibetanos es capaz de evocar una sonrisa, pues aun en sus momentos más álgidos, nunca desaparece un rayo con olor a paraíso perdido y a fruta madura situada en la rama más alta del árbol, ese amor fugaz y luminoso en las tinieblas, el que siempre esperamos que algún día regrese.

La cantante y compositora falleció el 1 de enero de 2010 en su casa de Montreal, a consecuencia de un cáncer. Tenía sólo 37 años.

Ha dejado de llover. Descansa en paz, Lhasa de Sela.

Página oficial de Lhasa de Sela: http://lhasadesela.com/
“De cara a la pared (live)”: http://www.youtube.com/watch?v=AOLg_XY2cWA
“Mi vanidad” (La llorona): http://www.youtube.com/watch?v=1w4×8zEhuZI

Fuente: http://www.revistamilmesetas.com/en-el-arbol-del-olvido-adios-a-lhasa-de-sela-1972-2010

viernes, 2 de julio de 2010

Este sábado a la noche te paso a buscar...

02-07-2010 / Virus: La banda de los hermanos Moura festeja, en La Plata, sus 30 años en la música

“Este sábado a la noche te paso a buscar a bailar el Wadu-Wadu que te va a gustar, te prometo invitarte muchas veces más, todo el tiempo Wadu-Wadu para re-relajar”, cantaba Federico Moura en 1981, desde la canción “Wadu-Wadu”, que a su vez dio nombre a aquel disco debut concebido en City Bell, en los años de la última dictadura militar. Esa será una de las canciones que esta noche, a las 21.30, suene en el Teatro Café Concert (43 entre 7 y 8) cuando los músicos de Virus suban a ese escenario para festejar sus treinta años con la música.

Tres son los integrantes que quedan de la histórica formación de este grupo nacido en City Bell (Marcelo Moura -voz-, Julio Moura -guitarra y coros- y Daniel Sbarra -guitarra y coros-) y que revolucionó desde sus canciones buena parte de la escena del rock nacional. Muchas bandas nacidas en los '80, '90 y '00 deben su sonido a Virus. A horas de su recital en La Plata, Marcelo Moura repasó con Diagonales el presente de la banda, de la música argentina y el respeto que generan en las nuevas generaciones de músicos.

–¿Qué características tendrá el recital de mañana en el Teatro Café Concert?

–Básicamente será el show que venimos haciendo, con el que estamos recorriendo el país y estamos cumpliendo 30 años de estar tocando, y tampoco vamos a aparecer con nada que de vuelta mucho las cosas, pero permanentemente estamos aggiornando los shows, sacando temas, poniendo temas y es un show que aún no han visto en La Plata, y que conserve las canciones más conocidas por la gente, y siempre vamos tratando de cambiar la lista de temas por la gente y por nosotros. Vamos a hacer un repaso por los 30 años de Virus, que es casi lo que hacemos siempre. Un show tiene 20 o 25 canciones y nostros tenemos más de 100, por eso vamos cambiando, reversionando alguna.

–¿Cómo se hace para mantener el fuego a lo largo de tantas décadas?

–Disfrutando, la verdad es que nosotros disfrutamos muchísimo lo que hacemos. Creo que el día que no pase eso no estaremos más tocando. Cuando tenemos un show es una alegría para nosotros, una buena noticia, está muy lejos de significar un mantener una cosa, de mantener vivo algo que no es, sino todo lo contrario. Es disfrutar, yo que veo la interna noto que los técnicos y los músicos están varias horas antes chequeando todo, probando todo. Cuando pensás que pasaron 30 años y los ves quizás con más entusiasmo que grupos que por ahí están desde hace poco tiempo. Una muestra de que hay pasión por lo que se hace.

–Y yendo para atrás en el tiempo, los años en los que la banda nació no fueron fáciles si tomamos en cuenta el contexto político y social del país.

–A algunos nos tocó más de cerca, nosotros tenemos un hermano desaparecido. Yo soy una persona que trata de mirar para adelante, ya pasaron muchos años e intento pensar en las cosas piolas que tengo para hacer, que son muchas y no quedarme tan clavado en cosas dolorosas que la vida tiene eso también.

–¿Cree que para los chicos que arrancan ahora es más fácil hacer música de lo que fue para ustedes?

–No, son distintas cosas, son etapas distintas. Si yo hubiera nacido cuando no había ni gas ni luz, no sé, me cuesta trasladarme. Me parece que no es peor ni mejor. Por otro lado, por ahí hoy parece más fácil pero se ha perdido esa cosa de los amigos que se juntan en un garage con los equipos. De hecho la década del '80 fue eso y para mí fue una de las décadas más brillantes de la música. No creo que hoy sea más fácil para nada.

–Como banda pasaron los '80, los '90, los '00 y están entrando en una nueva década. Ya mencionó lo que significaron los '80, ¿qué opinión tiene de las otras décadas?

–La de los '90 no fue una década que me gustó mucho desde lo musical. Fue una década más social, de grupos que llenaban canchas de fútbol pero que de golpe el público iba más a gritar que a escuchar música. A veces cuando hemos cambiado músicos y empieza el show de Virus y la gente está en silencio se asustan porque dicen: "está todo el mundo callado", entonces les digo: "no te preocupes que están escuchando". Parece loco que alguien se asuste que la gente esté en silencio. No me parece una década muy rica. Ahora me parece que volvió un poco al under, en Buenos Aires hay todo un circuito nuevo, y también es bueno que el público busque porque lo que nos ofrecen los medios no siempre es lo mejor, hay mucho poder económico metido en el medio y mucho buen artista que hay que buscarlo e ir a verlo.

–¿Qué les pasa a ustedes cuando bandas como Miranda! o Babasónicos los tienen como referentes y los citan como influencia?

–Agradecimiento y sin ser pedante creo que lo que ellos toman de nosotros es la conducta de cómo encarar un espectáculo, de cómo hacer las cosas, porque si te remitís a la música no hay grandes parecidos. Y son bandas muy cercanas a nosotros. Virus fue siempre un grupo muy laburador y mucho del mérito que logró fue por sacrificio, por ocuparse de un montón de detalles, las pruebas de sonido nuestras duran el doble que los shows mismos. Y los resultados finales no son producto de la casualidad sino del esfuerzo.

–Esa admiración hizo también que 19 bandas platenses reversionaran a Virus en 2004, en un CD editado por Radio Universidad.

–Maravilloso disco, la verdad que un disco genial y para mí no hay éxito o dinero que me devuelva esas cosas, sentirme súper respetado por los artistas. Para mí eso es un orgullo enorme.

Fuente: Diagonales

Monoaural, nuevo disco y la importancia de las canciones

02-07-2010 / La banda presenta su CD homónimo en 18 y 71 a las 21, en el galpon de encomiendas

"Básicamente es la madurez de la banda lo que diferencia este nuevo disco Monoaural respecto de la primera producción musical que hemos hecho que se llamó Superfluo", comenzó su charla con Diagonales Leticia Carelli, principal gestora de este proyecto musical que de a poco se instala en la ciudad de La Plata.

Desde su formación en el 2007, la banda Monoaural ha ido acaparando distintos escenarios y afianzándose musicalmente, hoy ya cuenta con dos discos. El último saldrá al mercado esta misma noche cuando sus integrantes lleguen al escenario del Galpón de Encomiendas y equipajes (18 y 71) a las 21 a presentarlo de manera oficial.
Compuesto por las hermanas Carelli (Leticia y Celina) se suman a esta formación Joaquín Saez y Cristian Buzeki para compartir la singularidad armónica de sus voces, la solidez rítmica y la sutileza de sus guitarras.

"Además de la consolidación de la banda, Monoaural se diferencia de Superfluo en que hay un aporte de un diseñador creativo. No hay tanta diversidad de canciones respecto al primer disco, ya que los temas son siempre desde lo cotidiano y con tintes poéticos.

Si tuviéramos que definirnos dentro de un género musical- continuó Leticia Carelli- creo que nos podríamos circunscribir en el rock pop, con canciones con formato de rock, que se diferencian bastante por las tres voces".

–¿Cómo conformaron la banda?

–Con Celina somos hermanas y siempre tocamos desde chicas. Y con los demás nos conocimos en la escuela de música, nos hicimos amigos y ellos me incentivaron a tocar los temas. Yo no era que siempre había compuesto temas, sino que a medida que fui tocando en la banda fui componiendo las canciones que hoy forman parte de toda la producción musical de Monoaural.

–¿Cómo recibieron la respuesta de la gente?

–La gente se prendió a este desafío nuestro. Eso nos hace caer que estamos haciendo algo aparentemente re groso. Por lo menos eso es lo que nos parece a la hora de hacerlo, después las repercusiones las vamos a ver. Después en principio, va creciendo la ansiedad y la cercanía a plasmar este trabajo que venimos haciendo casi sin darnos cuenta pero cuando somos tantos y cada vez más, eso es lo que hace grande a lo que hacemos.

–Hasta ahora, las que han realizado son producciones independientes, ¿qué implica esto?

–A nivel económico es la primera vez que nos damos cuenta de lo que estamos haciendo porque sacamos un crédito justamente para esto. Así que, por eso, la presentación es formal, porque tiene otro sentido. Nosotros caímos en la cuenta de que se hacen las cosas diferentes y tiene otro precio. El otro disco es más rústico, diferente. Grabamos cien, pocos ejemplares. En cambio este lo grabamos en un estudio de Capital lo que implicó otro tipo de trabajo previo.

El hecho de haber sacado un crédito para llevar adelante este proyecto no implica otra responsabilidad, en ese sentido somos bastante inconcientes y relejados porque no nos damos mucha cuenta de lo que estamos haciendo. Siempre pensamos que íbamos a pedir prestada la plata y bueno, el banco nos prestó para llevar adelante esto. Pero no tenemos una proyección demasiado ambiciosa sino que vamos viendo cómo las cosas se suceden.

Fuente: Diagonales

“Este disco expresa mi necesidad de incluir nuevas maneras de vivir”

Adrián Berra

02-07-2010 / El cantautor presenta su segundo álbum en el Hostel Ocampos de La Plata.

"Estoy seguro de que hago canciones por una necesidad propia. La música es una parte de mi vida muy grande. Es lo que soy. La manera más sincera de comunicarme y de ir conociéndome a mí mismo", dice el cantautor Adrián Berra, que este domingo a las 21 se presentará en el Hostel Ocampos (calle 18 y 71) de La Plata, con entradas a un valor muy accesible, sólo 10 pesos.

Adrián Berra –que el pasado 4 de junio realizó la presentación oficial de su último trabajo discográfico en el Teatro Empire de Buenos Aires– es un cantante y compositor argentino de 25 años de edad. Editó su primer disco en 2007, titulado A favor de mi corriente, y ahora lanza su segundo álbum: Mi casa no tiene paredes. Sobre este trabajo, que el domingo presentará en La Plata, el músico habló con Diagonales.

–Dice que para usted la música es una herramienta de expresión. ¿Qué necesitó expresar en Mi casa no tiene paredes?

–Es un disco que, desde el nombre y la imagen de la tapa hasta las canciones, habla un poco de la necesidad que tiene para mí, en esta época en la que estamos, integrar e incluir nuevas maneras de pensar y de vivir. De respetar y respetarse, de confiar más en la intuición que en el mandato.

Un modo de ver el mundo. La banda de músicos que acompaña a Adrián Berra puede variar pero él asegura que todos los que pasan por sus canciones son amigos que creen y perciben al mundo de una manera similar y eso se traduce en el mensaje que transmite el disco.

Mi casa no tiene paredes es el reflejo de un trabajo de introspección que analiza al ser humano y a todo lo que lo rodea. Un sonido acústico que reúne guitarras, percusión, bajo, ukelele, mandolina, piano, didjeridoo, melódica y varias voces.

–Los temas de su disco tienen letras que valen la pena escuchar, son canciones "con contenido" como se suele decir. ¿Tiene en cuenta esta característica a la hora de componer?

–Siempre que lo hago es porque hay algo adentro que necesita salir. Si no tengo nada para decir, entonces no digo nada. Tengo una manera de pensar o de ver las cosas que se refleja en las canciones que hago porque esa es mi manera de comunicarme conmigo y con los demás.

–¿Considera que sus canciones tienen "un aire" a las canciones de los años '70, como las de Sui Generis, Litto Nebbia, Miguel Cantilo o Miguel Abuelo, por ejemplo?

–Son músicos que me acompañaron toda mi infancia y adolescencia. Gente que tenía cosas para decir en una época complicada y muchas veces lo hacían juntos. Si bien ahora son tiempos distintos, todavía queda esa búsqueda de salir a cantarle al mundo sin otra herramienta más que una guitarra y una manera de pensar.

–Este disco puede bajarse gratis de su pagina web (www.adrianberra.com.ar). ¿Eso significa que está a favor de que Internet sea una forma de acercar la música a todos o igualmente tiene alguna reserva al respecto?

–Si mi casa no tiene paredes, imaginate que mi disco tampoco. Es algo con lo que no se puede luchar. Astrológicamente estamos por entrar en la era de Acuario, donde la información fluye libremente para todos lados. ¡Si hay algo para decir, que lo escuchen todos los que quieran!

Fuente: Diagonales

El trance de Shaman

En el marco de un nuevo ciclo platense llamado Trance, las artistas Bárbara Visconti y Paula Giorgi expondrán sus trabajos serigráficos escoltadas por las melodías de Shaman Herrera (de Los Hombres en Llamas), que presentará su clásico repertorio dark folk y algunos inéditos. La cita inaugural es hoy a las 19, en calle 2 nº 1029 (e/ 53 y 54). Gratis. Más info en: www.vendrasespaciocultural.blogspot.com.

Fuente: Hoy

Infierno 18: La hora de la verdad

Continuando con su gira nacional, la banda de la familia Taranto presenta en La Plata su última apuesta punk pop.

Aunque ninguno de los integrantes de Infierno 18 pase los 22 años, su banda ya tiene casi una década de trayectoria. Allá por 1999, a la temprana edad de 10 años, los primos Nicolás (batería) y Tomás Taranto (guitarra y voz) comenzaron a hacer sus primeros ruidos, que en el verano de 2001 llegaron a los escenarios porteños en forma de banda punk pop. A semanas de su debut, abrieron la presentación del por entonces último álbum de León Gieco. Siguió tocar conjuntamente con A.N.I.M.A.L. y Walter Meza (de Horcas), ser destacados por varias encuestas rockeras especializadas como “revelación”, varias giras latinoamericanas y cuatro discos que defienden su buen nombre. A horas de presentar Ya era hora -su última producción discográfica-, hablamos con el joven frontman de Infierno 18, Tomás Taranto...

-¿Qué destacarías de la gira que iniciaron con la salida de su último disco?

-Sin darnos cuenta, ya pasó un poco más de un año desde que se editó Ya era hora. A diferencia de lo que pasó con otros discos, esta vez pudimos concretar varias fechas en diferentes localidades de la Provincia. Empezamos el año por la Costa, y también visitamos Uruguay por primera vez. Tocamos mucho en Buenos Aires, en el Conurbano, y lo hicimos de buena manera. Finalmente, volveremos a La Plata, después de tres años.

-El disco anterior lo presentaron en México...

-Sí, y esperamos volver próximamente. De hecho, este último disco fue hecho allá.

-¿Cómo fue grabar allá?

-Nos metimos cien por ciento en el proceso. Cuando uno graba en su país, termina las sesiones y vuelve a su casa, y hace sus cosas. En este caso estuvimos las veinticuatro horas juntos, pensando únicamente en el disco. Vivimos en una casa y nos la “quemamos” mutuamente. Estábamos cenando y hablábamos del disco. Antes de dormir discutíamos detalles. Literalmente, en él se registró una época de nuestras vidas... No salimos del estudio nunca. Bueno, en realidad no pudimos con nuestro genio y salimos un par de veces para tocar en algunos barcitos...

-¿Qué se espera para el show de La Plata?

-La mayoría de los temas de Ya era hora, que todavía debemos al público platense. Y un repaso por los álbumes anteriores, claro.

-¿Qué sigue?

-Estamos esperando lanzar un nuevo video. La idea es seguirla por Rosario, Córdoba y todo el interior. Volveremos a México, ya que allá también nos editaron el disco. Nunca hubo nada publicado en tierras aztecas, y ahora, finalmente, podremos tocar con un álbum en mano. Después empezaremos a grabar otro disco... Pero para eso falta. Aún estamos a mitad de camino con este.

-¿Cómo ve Infierno 18 la escena rockera actual?

-Con los chicos venimos hablando sobre el tiempo de cambio que se transita actualmente. Se ve que los grandes tiburones se están separando, o dedicando a otras cosas. Eso da una buena oportunidad a las bandas que la están peleando, como nosotros. Tenemos fe en que florezcan nuevos movimientos culturales, que abran la cabeza a la gente a otros géneros distintos a los ya consagrados. No hay muchos representantes del estilo que tocamos. Ok, es lógico, hacemos un “punk rock californiano, medio pop, melódico, mezclado con un poco de hardcore” (risas).

-¿Están viendo el Mundial?

-Vemos el Mundial y ensayamos mucho. En honor a la verdad, debo decir que no somos una banda muy futbolera. Pero el Mundial mueve a todo el mundo...

Federico Valenti

Mañana, desde las 19, en El Teatro Sala Opera, calle 58 entre 10 y 11

Fuente: Hoy

Matices

Festeja sus 15 años. A las 20.30, en el auditorio del Pasaje Dardo Rocha, 50 e/ 6 y 7. Entrada: $ 15.

Claudio Arroyo: voz. Juan Obregoso: primera guitarra y coros. Guillermo Byrne: guitarra y percusión. Ricardo Poyo Lombardi: batería y percusión. Miguel Alonso: bajo y coros. Luciana Buono: piano y coros. Cabe destacar que lo que actualmente es un conjunto musical es el resultado de algo previo y necesario, la amistad entre sus integrantes, la pasión compartida por el arte musical y la necesidad vital tanto de practicarlo como de predicarlo. Como su nombre lo indica, Matices interpreta una amplia gama de autores y ritmos de la música popular, haciéndolo profesionalmente desde 1995. En julio de 2008 presentó su segundo CD, Sembrar cantando, que reafirmó su compromiso con la música popular.

Fuente: Hoy